Collezione Permanente Ca' del Bosco

L’opera è una traccia poetica in neon soffiato installata lungo il corridoio del porticato che conduce all’area di produzione della Cantina, destinata alla lavorazione delle uve. Le spirali, da cui emergono le parole hand and land, si rifanno alla struttura del viticcio tipico delle piante rampicanti come la vite, ovvero l’estensione tattile che le permette di sostenersi e crescere più in là del fusto. La lunga prospettiva invita il fruitore a incedere per scoprire il contenuto di quello che sembra essere un testo. Il linguaggio viene decostruito in un disegno luminoso di forme che omaggiano il lavoro nelle vigne e la conoscenza tattile di quel profondo legame tra corpo e natura. La parola inglese and congiunge e al contempo si moltiplica nelle parole hand (mano) / land (terra) diventando una sorta di mantra dove il segno si fa e si disfa di continuo, in un gioco di corrispondenze, potenzialmente infinito, tra significante e significati. La traccia calligrafica galleggia in maniera dinamica e irregolare sulla geometria dell’architettura industriale circostante, ponendosi in un delicato dialogo con il lento processo di produzione del vino che parte dalla cura della terra sino all’imbottigliamento in vetro dell’eccellenza locale, il Franciacorta.

Nata nel 1991 a Palermo, Irene Coppola indaga lo spazio liminale tra natura e cultura e il display come dispositivo politico attraverso diversi media che vanno dalla scultura, al video, all'installazione ambientale. Partecipa a residenze artistiche in Italia e all’estero, tra cui: AndAndAnd per Documenta13, PACA_Proyectos Artisticos Casa Antonino (Spagna), Dolomiti Contemporanee, La Wayaka Current (Panama/Cile). Nel 2019 vince la VI edizione dell’Italian Council e nel 2021 pubblica Habitat 08°N edito da Viaindustriae. Vince Cantica21, premio sostenuto dal MiC e dal MAECI, con un’opera inedita destinata alla collezione permanente del Museo RISO di Palermo. Nel 2022, su invito dell’Istituto Italiano di Cultura a Dakar, realizza una nuova installazione come progetto collaterale della biennale di Dak’Art. Nel 2023 è fellow artist della Fondazione Studio Rizoma a Palermo e nel 2024 porta avanti la sua ricerca in Cile con il supporto della XII edizione dell'Italian Council. Tra le mostre personali e collettive ha esposto presso: IIC di Dakar, FPAC, PAV, Palazzo Strozzi, Palazzo Re Rebaudengo, Cercle Cité, Palais De Tokyo.

Una struttura di 5 metri di diametro che si apre in due semicerchi di 25 quintali ciascuno. La conclusione della progettazione è avvenuta nel 1987, mentre la realizzazione dell’opera è terminata nel 1993. L’opera, posizionata all’ingresso di Ca’ del Bosco, è stata commissionata da Maurizio Zanella che ha incaricato Arnaldo Pomodoro di realizzare un cancello che rappresentasse un ingresso emblematico verso le vigne e l’intera proprietà. Il cancello circolare, con punte rivolte verso l’alto simili a frecce, rappresenta e introduce alla consacrazione del rapporto tra vino e arte: un grande sole perché, come afferma lo stesso Zanella, “è il sole il vero nutrimento dell’uva che, proprio come il sole, con i suoi raggi riscalda e illumina i dolci colli di Ca’ del Bosco”.

Arnaldo Pomodoro nasce in provincia di Rimini e, dopo gli studi di architettura, esordisce come disegnatore, decoratore ed artigiano del metallo. A Milano frequenta l’ambiente artistico dell’Accademia di Brera nel periodo degli anni ’50. Nel 1954 inizia ad esporre in Italia e all’estero. Oggi sono numerose le sue opere presenti nelle piazze del mondo e l’artista è ormai considerato il più grande scultore contemporaneo italiano. Famoso soprattutto per le sue particolari sfere di bronzo che si scompongono, si rompono, si aprono davanti allo spettatore rivelando la complessità dell’interno.

La scultura sembra trovarsi in una condizione di stasi o di lento risveglio, in una sorta di lenta ripresa da un assopimento non solo del corpo ma anche della coscienza. La figura è accovacciata, stretta a se stessa, rannicchiata in una posizione fetale. Sembra dischiudersi lentamente. Il viso esprime delicatezza, una fragilità d’anima che si esprime ancor più grazie ad una “pelle” del tutto particolare, costituita da frammenti di puzzle colorato. Un’epidermide a scaglie in cui sono nascosti codici e linguaggi: un tracciato da leggere o una mappa da decifrare. Sembrano fare da filtro e confine tra il dentro e il fuori, pur delineando la nudità.

Rabarama, pseudonimo di Paola Epifani, nasce a Roma nel 1969. Fin da piccola dimostra di un talento innato per la scultura: a 10 anni partecipa alla Mostra Internazionale per il 30º Anniversario della Nato. Frequenta il Liceo Artistico e poi l’Accademia di Belle Arti di Venezia dove si diploma nel 1991. nota per le sue opere scultoree incentrate sulla figura umana e contraddistinte da una singolare intensità espressiva. Le sue gigantesche sculture in metallo (bronzo, alluminio) si collocano in genere a terra. Le sue opere sono quasi sempre decorate con pattern, texture o disegni che nelle sculture in metallo sono colorati a mano. Dal 2000 le sue opere cominciano ad essere esposte presso i più prestigiosi musei italiani e stranieri, in particolare negli USA e a Parigi.

L'artista trasforma il dio Dioniso in una maschera lignea divertente, in un clown che esce da un bicchiere a forma di flûte. Il disegno sembra quasi ispirarsi ad una vetrata gotica, dove le forme dell’uva e delle foglie si diramano quasi a ricordare dei tralci di vite. Lo stile ironico e assolutamente sintetico esprime la naturalità del dio del vino, ma allo stesso tempo ne sottolinea la giovialità, il sentimento leggero, lo scherzo e l’inganno, che si intuiscono nell’espressione leggermente beffarda del viso.

L’artista Bruno Chersicla Nasce a Trieste, ma vive a Milano dal 1966. Ha realizzato opere pubbliche di eccezionale spessore che vanno dalla scultura lignea alla xilografia. Nella scultura contemporanea l’artista ha creato opere che si definiscono costruite, nel senso che si aprono – proprio perché snodate – per formare immagini diverse, fatte di parti di legno ritagliate, levigate e colorate, che diventano quasi parti meccaniche e lasciano spazio a nuove interpretazioni. Artigianalità e modernità si intrecciano nel movimento diventando un gioco di forme. Tra le più conosciute, le porte sculture del ristorante Savini di Milano e il Dioniso di Gualtiero Marchesi al ristorante Il Marchesino.

L’effetto mercurio, così chiamato dall’artista, rappresenta il mezzo con il quale Rado Kirov esprime la sua nuova passione per la scultura e la sua maestria nel trattare l’acciaio inossidabile.

Rado Kirov nasce in Bulgaria nel 1955. A 25 anni è apprendista artigiano del rame sotto l’ala di Alexander Raev, uno dei migliori artigiani del tempo. La passione e l’abilità nel lavorare il rame si spostano poi sull’argento e sull’oro. Rado Kirov ha sviluppato una tecnica unica nel manipolare una lamina di acciaio manualmente, utilizzando le proprietà fisiche intrinseche del metallo per creare una superficie tridimensionale sorprendente che rispecchia in modo dinamico ciò che la circonda e attira l’osservatore nella magia del suo riflesso.

Water in dripping ripropone il legame intrinseco tra la scultura e i testi letterari che ne hanno ispirato la realizzazione. L’artista sceglie un componimento di un famoso poeta del periodo Tang, Pai Chu-I (noto anche come Bai Juyi) che funge da elemento testuale di fondo per l’opera. Attraverso l’esplorazione del movimento naturale dell’acqua, il poema, incorporato nelle forme scultoree, narra di un viaggio simbolico natura-mobilità. Torreggiante e aggraziata, e nondimeno attraente, l’installazione è degna di nota anche per l’illuminazione soffusa, con improvvisi bagliori che enfatizzano i contorni dell’intero manufatto.

Zheng Lu nasce nel 1978 a Chi Feng, in Mongolia. Studia scultura presso l’Accademia di Belle Arti Lu Xun e si specializza, sempre in scultura, prima all’Accademia Centrale di Belle Arti, poi in Francia dove nel 2006 conquista la Borsa Prix LVMH, frequentando l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts di Parigi. Tra i premi ottenuti, l’Inspired Performance Journey, il Gran Premio INFINITI, il 4° posto alla Competizione Design For Sitting del 2009, il Premio Miglior Tecnica ed il Premio LVMH Giovani Artisti “Omaggio agli Impressionisti ” nel 2005.

La sua presenza imponente è figlia dei Testimoni nati nel 2009 dagli echi delle celebri madri del Museo Campano di Capua. Qui veglia sul tempo e sulla storia. Con la sua iconica potenza custodisce, disarmato e disarmante, il prezioso tesoro celato nelle botti assopite nella penombra.

La riflessione artistica di Mimmo Paladino, nato nel 1948 a Paduli, si sviluppa a partire dalla fine degli anni ’60. Affascinato dal clima culturale dell’epoca, tra arte concettuale e Pop Art americana, i cui artisti più rappresentativi avevano esposto alla Biennale di Venezia del ‘64, Paladino incentra la sua prima attività sulla fotografia, associata spesso al disegno, tecnica a lui particolarmente congeniale. Gli anni ’70 vedono affermarsi, sempre più incisivamente nel suo percorso, l’interesse per la figura: dalle iniziali sperimentazioni concettuali l’artista trasferisce la propria attenzione sulla pittura figurativa. Strutture geometriche e oggetti quali rami e maschere campeggiano sulle tele dai colori decisi. Nel 1978 è a New York dove inaugura, l’anno successivo, mostre personali alla Marian Goodman Gallery e alla Annina Nosei Gallery. Nel 1980 partecipa alla Biennale di Venezia nella sezione ‘Aperto ’80’ di Achille Bonito Oliva’, ed insieme a Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi e Nicola De Maria, dà vita alla ‘Transavanguardia’. Nel corso degli anni ’80 la sua arte diviene sempre più referenziale e sulle superfici dalle ampie dimensioni e di grande impatto visivo, l’artista rappresenta la vita e il mistero della morte. Le tecniche usate sono diverse: dal disegno all’incisione, all’inserimento nelle tele di elementi tridimensionali. Dal 1985 si dedica alle grandi sculture in bronzo e alle installazioni. Celebre l’intervento in Piazza del Plebiscito a Napoli dove realizza una enorme montagna di sale su cui pone sculture con forme animali e umane. Negli anni ‘90 intensifica con successo l’attività all’estero.